Gestión del Color

in Fotografía Práctica.

El fin principal de la Gestión del color es obtener una buena correspondencia entre los distintos dispositivos que trabajan con colores, para ello es esencial tener claro como actúa y en que consiste cada modelo de gestión de color, ya que al pasar de uno a otro es inevitable que se produzcan pérdidas.

HSB

El modelo HSB se basa en la percepción humana del color. En este modelo, todos los colores se describen según tres características fundamentales:

• Tono es el color reflejado o transmitido a través de un objeto. Se mide como una posición en la rueda de colores estándar, y se expresa en grados entre 0 y 360. Normalmente, el tono se identifica por el nombre del color, como rojo, naranja o verde.

• Saturación, también denominada cromatismo, es la fuerza o pureza del color. La saturación representa la cantidad de gris que existe en proporción al tono y se mide como porcentaje comprendido entre 0 por ciento (gris) y 100 por ciento (saturación completa). En la rueda de colores estándar, la saturación aumenta a medida que nos aproximamos al borde de la misma y decrece a medida que nos acercamos al centro.

• Brillo: es la luminosidad u oscuridad relativa del color y normalmente se mide como un porcentaje comprendido entre 0 por ciento (negro) y 100 por ciento (blanco).

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Nils-Udo

in Fotógrafos.

Este fotógrafo no es muy conocido, se dedica a componer esculturas con objetos naturales (ramas, piedras, flores, hojas, etc) para después fotografiarlos. Yo lo conocí por la portada de un disco de Peter Gabriel, “Ovo”, la imagen es esa portada. Nils-Udo: “Waternest, child,willow branches, hay, box, Wiltshire 1995″

El siguiente comentario es de su web:

“To design with flowers.
To paint with the clouds.
To write with water.
To record the wind of may or
the path of a falling leaf.
To work on a storm. To anticipate a glacier.
To arrange water and light….
To take in a forest or a prairie….

To open up the living,
three dimensional spaces of Nature.
With the slightest possible intervention, to electrify and transform the spaces of Nature
into the spaces of Art…”

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M. C. Escher y cinta de Moebius

in Diseño.

De sobra conocido, Escher es de los pocos diseñadores gráficos que de verdad pueden presumir de que su obra sea realmente intemporal, espacios hipnóticos infinitos y la obsesión por el movimiento continuo. Lo que no todo el mundo sabe es que sus obras más famosas y esas formas geométricas, tuvieron su origen en una visita a la Alhambra y a la mezquita de Córdoba. La obra de Escher, que hasta entonces se había basado en la representación de paisajes, se convirtió en los dibujos matemáticos que le han dado la fama. En uno de sus cuadernos de viaje escribió: “es rara la ausencia de formas humanas o de animales en la ornamentación islámica, ni siquiera de alguna forma de planta. Esto es lo que quizá le dé fuerza y debilidad a la vez”. Y es que Escher era un gran aficionado a viajar, en una anécdota relacionada con la cotización de sus grabados es que Escher, deseoso de viajar, especialmente en barco, escribió una carta a una compañía especializada en cruceros por el mediterráneo, solicitándoles que le facilitaran los pasajes, para él y su mujer, a cambio de 48 estampas y 4 copias de 12 planchas en madera de grabados, cuyos bocetos haría a lo largo del viaje. La compañía aceptó y el matrimonio estuvo viajando en un buque de carga desde abril hasta junio de 1936.

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África Free Jazz

in Diseño.

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Teoría del color

in Diseño, Fotografía Práctica.

Interesante texto de Fernando de Madariaga sobre teoría del color, de cómo puede formar parte del lenguaje y de cómo combinarlo de forma inteligente. Aunque es un poco antiguo técnicamente en él se encuentran muchas buenas ideas. (foto: “Sueños” portada de la película de Akira Kurosawa)

Los elementos principales de la teoría del color son la clasificación de los colores en primarios, secundarios y complementarios, y sus propiedades visuales: contraste, tonalidad, brillo y saturación. La luz que observamos en la naturaleza y llamamos “blanca” supone el punto de partida de toda teoría del color de la luz y por tanto del color en fotografía. En realidad, esa luz que vemos blanca no se debe a una radiación única, sino que es la mezcla continua de todas las que forman el espectro. La teoría del color aplicable en fotografía resulta especialmente difícil de entender al aficionado, en buena medida porque contradice intuitivamente sus conocimientos de la teoría del color propia de la pintura. Un buen ejemplo lo encontramos en el resultado de la síntesis, mientras en fotografía, al depender de las propiedades de la luz, el color obtenido de la unión de todas las diferentes longitudes de onda es el blanco; en pintura, la suma de todos los pigmentos crea el tono negro. El método utilizado en fotografía es aditivo (“añadimos” colores para llegar al blanco), mientras el pictórico es sustractivo (“restamos” pigmentos para conseguir el blanco).

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Diseñando un logo

in Diseño.

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Eddie Adams & Malcolm Browne

in Fotógrafos.

Eddie Adams o la contradicción entre una imagen y su interpretación, la fotografía más famosa de Eddie Adams es la que muestra la ejecución de un guerrillero del Viet Cong por parte del general Nguyen Ngoc, jefe de policía de Saigón, tomada justo en el instante en que le dispara a quemarropa. Recibió el premio Pulitzer por esta imagen que se convirtió en un símbolo de la brutalidad de la guerra de Vietnam, y al general en un salvaje odiado a nivel internacional. Sin embargo, el autor de la foto siempre discutió esa interpretación. Acompañó durante varios días al general, que veía como un héroe, fotografiando todas las acciones que se realizaron, y su intención era mostrarlo como soldado ejemplar. Con respecto a la imagen, conocía las circunstancias personales del verdugo y su víctima, y defendía que no se hicieran juicios de valor simples. El ejecutado había asesinado a un amigo del general Loan y también había matado a la esposa de ese amigo y a sus seis hijos.

Sin entrar en valoraciones sobre la acción fotografiada, lo que sí demuestra, es que una imagen es solo un instante con un enorme poder de convicción que difícilmente permite negar lo que muestra.

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La Composición en la Fotografía

in Fotografía Práctica, Thyzzar.

Alguna idea revia

No importa el medio, fotografía, cine, pintura, incluso en la decoración de una habitación, a todos ellos se les pueden aplicar las mismas normas de composición. En cualquier encuadre visual, si lo hacemos de forma consciente, podemos conseguir transmitir un mensaje de forma eficaz.
No es necesario que el espectador conozca estas normas, ya que todos estamos psicológicamente predispuestos a responder de la misma manera frente a ciertas formas.

Existen unas “normas” que definen el equilibrio en la composición de una imagen para que ésta transmita de forma eficaz su mensaje. Se pueden aplicar varias ellas a la vez o de forma independiente dependiendo de la imagen. Obsérvese que “normas” va entrecomillado porque hay que entender que ninguna de estas normas se deben tomar como leyes fijas, son tan solo orientativas, la propia imagen junto con la creatividad del autor hacen conveniente o no su utilización.

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Cecil Beaton

in Fotógrafos.

Aldous Huxley por Beaton, una sombra a contraluz en una pose nada casual, un rostro serio mostrado a medias, una cortina rasgada por la que se deja ver tan solo parte de una personalidad, la lectura subjetiva de esta imagen es tan rica que su simpleza se desvanece cuando se observa pausadamente.

Truman Capote escribió de él: “Su inteligencia visual, es genio. Escuchar cómo describe Beaton, en terminos estrictamente visuales, a una persona, un lugar, o un paisaje es como asistir a una representación divertida, brutal o bellísima, pero siempre y sin ningún género de dudas, brillante. Es justamente esto, la extraordinaria inteligencia y compresión visual que impregna en sus fotografías”.
Sus retratos han sido tachados de artificiosos por el cuidado detalle, iluminación, vestuario, puesta en escena, poses, pero en cualquier caso el resultado son imágenes de una precisión que pocos han conseguido.

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Ansel Adams

in Fotógrafos.

“Luz de luna”(cara del Half Dome 1927), Ansel Adams tomó esta fotografía bien proporcionada y de gran riqueza tonal al principio de su carrera, en la primavera de 1927 en Yosemite (hay que recordar que son los inicios de la fotografía). Por aquel entonces todavía no había inventado su sistema de zonas de valoración de la exposición y el contraste, pero la maestría y la calidad son obvias. Uno de los factores que influyeron en el cuidadoso y deliberado método de trabajo de Adams, que no resultará demasiado evidente a cualquiera que realice hoy fotos, fue el volumen y el peso de las placas de vidrio y de la cámara Corona View de 16.5 x 21.6 cm.
El día en que hizo esta toma Adams ascendió a una altura de más de 1.200 m con “una cámara Korona View de 16.5 x 21.6 cm, dos objetivos, dos filtros, un trípode de madera bastante pesado y doce placas de cristal pancrornáticas Wratten”, lo que en términos de capacidad de toma equivale a un tercio de un carrete de 35 mm. Ello impedía fotografiar sin pensarse mucho las cosas y aun así, hacia el final de la jornada de trabajo Adams sólo disponía de dos placas para hacer esta toma. Nada más exponer la primera, se dio cuenta de que el filtro amarillo que habia usado no oscurecería el cielo y las sombras lo suficiente parta hacer justicia a las peculiares formas de la montaña. “Sólo me quedaba una placa, y era muy consciente de mi precariedad. Veía la imagen como una forma ominosa con sombras profundas y un pico blanco lejano recortado contra el cielo oscuro”. Para lograrlo, utilizó el otro filtro, de color rojo. Después de haber perdido en esa misma mañana dos placas porque el viento le movió la cámara y una más porque olvidó cerrar el diafragma. Esta última toma le provocó una ansiedad comprensible, y eso mismo hace que resulte un poco gratuito el corte del negativo por la parte superior derecha. En realidad lo que ocurrió es que la placa se estropeó ligeramente durante un incendio en 1937: Adams consideró que tras ese deterioro de la composición la fotografía “perdería todo su valor”.
Fundador del grupo “f/64″, invento el sistema de zonas de valoración de la exposición y el contraste, que consistia en modificar los tiempos de exposición en la ampliadora con sombras.